Reseña de 'Marty Supreme': Timothée Chalamet aporta energía del caos a este drama deportivo de proporciones míticas

La ciudad de Nueva York no es tanto un personaje en marty supremo ya que es el décimo círculo del infierno, desde el cual el estafador desesperado y con los ojos muy abiertos Marty Mauser (Timothée Chalamet) espera lanzarse al estrellato del ping pong. Lo que parece, desde la distancia, una película biográfica común y corriente de época (Mauser se basa libremente en la extravagante estrella del deporte judío de Nueva York Marty Reisman) rápidamente se convierte en una fiebre delirante y empapada de sudor que se niega a calmarse. Pero a pesar de todo su caos desgarrador, las reflexiones de la película posteriores a la Segunda Guerra Mundial están lejos de ser fortuitas. Cuanto marty supremo es una historia escandalosa, propulsora y explosiva de un deportista desvalido, también trata sobre la vibrante ingenuidad de la juventud, las ansiedades del judaísmo moderno y el alboroto sin remordimientos causado por alguien casualmente ignorante de la historia mientras intenta dejar su huella en ella.

Director Josh Safdie: la mitad del dúo de hermanos detrás Juerga y Gemas sin cortar – vuelve a formar equipo con varios de sus colaboradores habituales y administra un impío goteo intravenoso de Red Bull y combustible para aviones. son dos horas y media Rocoso -esque saga en la que el tradicional montaje de entrenamiento de regreso se desarrolla en su propio desvío cinético de travesura criminal, sobre un pastor alemán llamado Moisés y su dueño, masticador de paisajes (Abel Ferrara). La pantalla se llena con una cabalgata de rostros inesperados (y maravillosamente humanos), como los que Josh y su hermano Benny han elegido durante mucho tiempo entre no profesionales. Pero aunque la reciente salida de Benny, La máquina aplastante , pisado convincente pero familiar terreno biopic, marty supremo rasca esa picazón muy particular, decididamente judía y profundamente ansiosa por la que los Safdies se hicieron conocidos con thrillers neoyorquinos como El cielo sabe qué .

La tensión de las películas anteriores de la pareja queda muy patente en el esfuerzo en solitario de Safdie. La cámara frenética, cortesía del director de fotografía Darius Khondji, captura al extenso y dinámico conjunto en curvas cerradas y con lentes largos que los vigilan en espacios íntimos. El salto inmediato de la película a primeros planos y argumentos superpuestos nos lleva al abismo al presentar su lista, desde el hablador Mauser, hasta su autoritario tío Murray Norkin (Larry Ratso Sloman), cuya destartalada zapatería todavía trabaja, hasta su mejor amiga casada de la infancia, Rachel Mizler (Odessa A'zion), una empleada de una tienda de mascotas con la que todavía tiene una aventura, y muchos, muchos más. Después de atacar a punta de pistola a su obediente primo Llyod (Ralph Colucci), Mauser consigue el dinero que necesita para volar a Londres para un importante torneo abierto de tenis de mesa.

Es el año 1952. El deporte sigue en auge y la Segunda Guerra Mundial apenas está en el pasado de la gente, pero esto no impide que Mauser, de 23 años, se burle de [lanzar] una tercera bomba atómica sobre sus oponentes japoneses, o [de hacer] lo que Auschwitz no pudo cuando se enfrentó al rival judío húngaro y sobreviviente del Holocausto Béla Kletzki (Géza Röhrig). Puedo decir eso, soy judío, bromea ante la ansiosa prensa, como si Safdie estuviera pidiendo permiso para ir a lugares ingeniosos y tremendamente incómodos. Mauser y Kletzki son amigos, y el alegre estadounidense incluso insta a su amigo mayor a contar historias de los campos, aunque sólo sea como una distracción para poder coquetear con la ex estrella de Hollywood y compañera invitada del Ritz Kay Stone (Gwyneth Paltrow), el objeto de mediana edad de su mirada engreída y de una sola ceja.

Detrás de gruesas gafas octogonales, Mauser molesta y seduce a Stone, un papel que sirve como el dramático regreso de Paltrow después de muchos años y le brinda la oportunidad de caminar sobre una delgada línea entre el anhelo y el agotamiento. Puede ver a través de las tonterías juveniles de Mauser, pero también le encanta. A lo largo de la duración, el vendedor de lengua plateada también debe navegar bajo la atenta mirada del iracundo marido de Stone, Milton Rockwell ( Tanque de tiburones 's Kevin O'Leary, convocando una actuación espléndida desde las profundidades del infierno), un rico magnate de la tinta y la pluma cuyo interés en la carrera de Mauser es puramente financiero. Después de perder ante el virtuoso japonés sordo Koto Endo (Koto Kawaguchi), el único personaje que corta tranquilamente la cacofonía de la película, un Mauser abatido se ve obligado a regresar a la oscuridad más profunda del estrecho departamento del Lower East Side que comparte con su autoritaria madre (Fran Drescher). Tiene que apresurarse y estafar para regresar al próximo torneo en Japón, mientras también tiene que lidiar con la realidad de que Rachel está embarazada y que el bebé podría ser suyo. Surgen travesuras, y algo más.

Las risas de la película y las emociones de una milla por minuto nacen no solo de la insensible idiosincrasia de los personajes, sino también de escenas deportivas trotamundos editadas rápidamente y una apropiada estructura de ping-pong que envía a Mauser a volar entre situaciones estrafalarias a la velocidad del sonido. La candente actuación de Chalamet crea un egocéntrico cautivador y profundamente identificable que cree que puede salir de cualquier situación, incluso de un accidente automovilístico. Es un mentiroso experto, tan convincente que puede alterar sus convicciones fundamentales si eso significa ganar dinero rápido. Mauser es un tonto astuto, pero Chalamet podría ser en secreto el protagonista más inteligente del Hollywood moderno, dada la forma en que envuelve cada principio de la historia y el diseño a su alrededor para moldear su concepción del personaje. Su desaliñado aplomo de animal herido, su voz motorizada y su ambición voraz impulsan la película hacia adelante, evocando cada escena posterior mientras Mauser prácticamente salta fuera de su piel. Está impaciente por avanzar hacia lo siguiente; la siguiente táctica, el siguiente juego, el siguiente peldaño del estrellato.

Sótanos oscuros y hoteles sórdidos acogen este peligroso viaje, cada uno de ellos representado con la intensidad de las salas de interrogatorios. Pocas películas desde la comedia nocturna de Martin Scorsese Fuera de horas han enmarcado a Nueva York como un espacio invasivo, empeñado en impedir que una persona simplemente salga adelante. Esta energía opresiva es el obstáculo perfecto para Mauser, que intenta mantener un idealismo de posguerra a pesar de los pellizcos en el bolsillo, dando lugar a una fe ilimitada en el mundo y en su capacidad para darle forma. Una vez que se reencuentra con Rachel, la película comienza a adquirir propiedades extrañas que rayan en lo místico. El dinero y las oportunidades caen en el regazo de Mauser: la película tiene demasiadas Dios ex machina contar, sólo para que el atleta emprendedor intente comerse su pastel, tenerlo también y joderlo también.

Todo en esta historia de lujuria, avaricia y ego desenfrenado está imbuido de un significado prácticamente religioso, gracias a los lentos zooms de la cámara y a los atractivos push-ins. El enfoque visual de Safdie crea una sensación de misterio urgente en torno a cada persona y objeto, especialmente cuando está impulsado por la etérea y brillante partitura de Daniel Lopatin, que abruma el paisaje sonoro en la línea de Vangelis en el apogeo de sus poderes en la década de 1980. Junto con el despliegue puntual de éxitos de mediados de los 80, como la pista de synth-pop de Alphaville. Joven para siempre y la balada pop-rock de Tears for Fears Todo el mundo quiere gobernar el mundo , la película no está estancada acústicamente en el tiempo y el estilo. Al igual que Mauser, está ansioso por avanzar. La mayoría de las veces, se hace eco del tipo de indie neoyorquino hiperactivo popularizado por John Cassavetes y otros inconformistas del Lower East Side del cine No Wave de los años 70 y 80, filtrado a través de un presupuesto enorme y una lente eclesiástica.

El hecho de que Mauser esté atrapado entre su papel predeterminado en el comercio minorista y sus sueños de estrellato rápidamente adquiere dimensiones de clase con sorprendentes capas teológicas. En poco tiempo, un debate dramatizado sobre el libre albedrío y la existencia de una deidad benevolente emerge sutilmente de debajo del caos. Un cuento impregnado de seguro , o duda rabínica, la película parece preguntar: si hay un dios, ¿está siquiera del lado de Mauser? Ninguna de estas preguntas oscuramente cómicas se aborda explícitamente en el diálogo, pero la película explora la idea de fe de numerosas maneras, incluyendo y especialmente presentando un capitalismo moderno y gentil (encarnado por el despiadado Rockwell) como una fuente constante de tentación y ansiedad para Mauser y como un mito de la creación de Hollywood descaradamente invertido. La temprana industria cinematográfica estadounidense fue alguna vez el refugio de ejecutivos y creativos judíos que, en los años previos a la Segunda Guerra Mundial, logrado a través de la asimilación presentando al público estrellas gentiles. marty supremo cambia completamente esta comprensión del mundo del cine (y del mundo en general, cambiado por el conflicto global), con un magnate de los negocios WASP que espera patrocinar a un atleta judío como artista contratado. En esta era reconstruccionista –financieramente y en el sentido del judaísmo reconstruccionista norteamericano– todo parece posible. Sin embargo, para Mauser aceptar el trato de Rockwell significaría perder un próximo partido y, por lo tanto, destruir el futuro que quiere y cree que merece como figura destinada a la grandeza, aunque piense que está siendo saboteado en todo momento.

marty supremo es una película sobre la creación de mitos en crisis. Mauser parece no poder decidirse por una historia de fondo, pero cuando Kletzki cuenta su propia historia de compromiso moral y supervivencia en los campos nazis, es la única vez que la película pasa a un flashback, solidificando una benevolencia tan bellamente extraña que termina volviéndose sagrada. En la memoria de Kletzki, se encuentra con una colmena y se enjabona el pecho con miel para que sus compañeros de prisión puedan lamerla para alimentarse. Extraño al oído, pero hermoso de presenciar (y musicalizado como una ópera barroca), es un raro momento de respiro del subterfugio sin aliento de Mauser y de la claustrofobia general de la película. Nos brinda una visión brillante de cómo podría ser la presencia de Dios, en una película repleta de personajes cínicos que persiguen la religión del dinero y la fama. Es difícil no preguntarse si Mauser alguna vez sería tan desinteresado.

Es poco probable que lo haga, al menos cuando lo conocemos por primera vez. La película es mucho mejor por eso, dadas las salvajes y astutas escapadas de Mauser a torneos clandestinos de tenis de mesa, cuyos jugadores amateurs empuja con su sufrido mejor amigo Wally (Tyler Okonma, también conocido como el rapero Tyler the Creator), y sus estridentes enfrentamientos con una variedad de personajes coloridos, como un secuestrador de perros con cara de piedra interpretado por el legendario mago de Las Vegas, Penn Jillette. La prevalencia de otros tipos de intérpretes en estos papeles refuerza las cuestiones de autenticidad de la película, en un mundo que exige venderse en busca de la grandeza. Todos actúan en todo momento marty supremo , pero una fuerza alegórica invisible sigue evocando lecciones de ironía dramática que descarrilan sus engaños. Por cada atraco fingido, diamante de utilería, lesión falsa o arma de fuego de imitación, normalmente hay uno real acechando a la vuelta de la esquina, multiplicando por diez las apuestas al girar todos los tornillos posibles.

Y, sin embargo, la película en sí no puede evitar inventar extrañas falsedades al servicio de un entretenimiento de Hollywood más completo y cautivador. Su formulación de la década de 1950 como un estado de transición social conduce a mucha mitificación; Puede que Mauser no haya sido real, pero nació de la admiración de Safdie y el coguionista Ronald Bronstein por una persona real. La película rastrea la invención ficticia de la pelota de tenis de mesa naranja (que, en realidad, no aparecería hasta décadas después), así como el primer uso del famoso agarre del bolígrafo en este deporte (cuyos orígenes reales son más nebulosos), e incluso lo que parece ser el inicio del método de actuación moderno, durante un desvío en el que Mauser visita uno de los ensayos de Stone en un esfuerzo por seducirla/estafarla.

Pocas obras en el Hollywood moderno se han inclinado hacia la locura de la juventud con tanto entusiasmo, y aún menos han sido impulsadas por una adrenalina tan constante, en el camino hacia una catarsis tan gozosa. No hay nada parecido.

Safdie incluso llega a poner a Mauser cara a cara con las Grandes Pirámides, que el joven estafador cree que fueron construidas por esclavos judíos ( un mito común ), instándolo a destrozarlos y lanzar un trozo como recuerdo justo. Lo impulsa, sobre todo, una creencia casi fanática en lo que se le debe: una perspectiva prácticamente sionista que se está desmantelando lentamente. Lo cual de ninguna manera quiere decir que marty supremo es un discurso político, o que esta disección es totalmente intencional, pero su período de tiempo y el cínico despliegue de narrativas del holocausto por parte de Mauser hacen eco de ideas distintas que rodean la identidad política actual. Como Gemas sin cortar antes (lo que impulsó a los editores de Corrientes judías para sostener un reunión de emergencia sobre el judaísmo moderno), marty supremo está impregnado de fricciones contemporáneas entre la fe y la cultura judías, probablemente derivadas de la postura de Safdie. propia educación por un padre judío no religioso. Después de todo, ¿qué mejor manera de reconciliar lo espiritual y lo visceral que un protagonista de orígenes mundanos, que se cree divino?

La expresión de esta divinidad es a través de la textura física. El grano de la película de 35 mm se siente vivo; cada superficie se siente incandescente; cada mejilla sonrojada y cada frente empapada de sudor palpita de vida. Los actos de creación abundan en marty supremo , incluso en la escena de créditos iniciales más audaz del año, cuya representación de un orgasmo en la trastienda se transforma hilarantemente en un primer plano microscópico de la propia concepción. El resultado es un juego maravillosamente perverso impulsado por el puro poder de la fe, que produce una intensidad desgarradora y una cantidad impactante de sangre. Todas estas florituras actúan al servicio de despertar búsquedas individualistas que son tan lamentablemente solitarias como vigorizantes, como el sueño americano manifestado en toda su locura y complejidad. Pocas obras en el Hollywood moderno se han inclinado hacia la locura de la juventud con tanto entusiasmo, y aún menos han sido impulsadas por una adrenalina tan constante, en el camino hacia una catarsis tan gozosa. No hay nada parecido.

marty supremo será estrenado por A24 en cines selectos el día de Navidad de 2025.

Siddhant Adlakha ( @SiddhantAdlakha ) es un crítico de cine y escritor de ensayos en vídeo radicado en Nueva York y originario de Mumbai. Es miembro del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y su trabajo ha aparecido en el New York Times y en Variety. The Guardian y la revista New York.