El director de Marcel the Shell with Shoes On explica lo que se necesitó para lograr una de las películas más encantadoras del año

Marcel the Shell With Shoes On, el micro-presupuesto y parcialmente animado indie protagonizado por Jenny Slate como la voz de una concha andromórfica (con zapatos puestos), es un encantador mega-vatio que también se ha convertido en uno de los éxitos durmientes del verano. Ahora en más de 800 teatros, se siente como un bálsamo para estos tiempos difíciles: es gloriosamente lindo pero no está totalmente lijado. (Esta es una película familiar A24, con todo lo que implica).

La trama de la película, por mucho que haya una, se refiere a Marcel (Slate) y su intento de reunirse con su familia, que fueron apresurados después de esconderse en un cajón de calcetines. (Cuando la pareja en la que viven la casa se divide, deja a las criaturas que la habitaron en desorden). Marcel forma una conexión con un documentalista que alquila la casa (interpretado, fuera de la pantalla, por el director Dean Fleischer Camp) y eso es ... más o menos. A partir de esta simple premisa, surge una de las características más bellas (y más inesperadamente conmovedoras) del año.

Seriessense habló con el campamento sobre el viaje de siete años de la película a la pantalla grande, resistiendo el impulso de hacer que Marcel sea nervioso y cómo su próxima característica, un gran presupuesto de Lilo de Disney

El original Marcel the Shell With Shoes en video se estrenó en 2010. ¿Has estado trabajando en la película durante 10 años?

No, no estábamos trabajando continuamente en ello durante 10 años. Trabajamos en ello durante siete años.

Sí, comencemos cuando comenzamos a golpear el pavimento tratando de obtener un financiamiento independiente para ello. Si incluye todos esos pasos, cualquier película podría tomar tanto tiempo, no lo sé. Pero este fue mucho tiempo, en parte por financiarlo de forma independiente y en parte porque lo logramos de una manera que es bastante única. No estoy tan seguro de que una película se haya hecho de esta manera antes. Existe la sensación de que tuvimos que terminar y bloquear una cierta fase de producción antes de pasar al siguiente. Mientras que una película que se hizo con una ruta más tradicional, probablemente estaría haciendo todas estas cosas simultáneamente.

Por ejemplo, esencialmente escribimos el guión y grabamos el audio simultáneamente. Y al final de ese proceso, tuvimos una reproducción de radio bloqueada con la que estábamos contentos. Y lo jugaríamos para los productores, y serían como, oh, esto se arrastra o lo que sea. Y eso fue dos años y medio. Y luego, hacia el final de eso, pasamos al guión gráfico conmigo y Kirsten Lepore, el supervisor de animación. Literalmente, nos sentamos y pasamos un año de guión gráfico de toda la película y la probamos con el público.

Una vez que tenga los tableros allí, puede mostrarlo a la gente y ver si estaba funcionando. Y luego, una vez que estábamos contentos con eso, nos mudamos a la producción de acción en vivo. Y después de la acción en vivo, luego pasamos a la animación. No hubo mucho en rodar en la siguiente fase de producción.

¿Tenías la capacidad de ajustar las diferentes secciones a medida que avanzaba?

Oh, sí, absolutamente. Creo que la razón por la que las películas animadas que Pixar, Disney hacen, ahora tienen una tasa de éxito tan alta es porque la animación es un proceso largo. Le permite examinar constantemente diferentes piezas y cambiarlo si no funciona. Es esencial hacer algo bueno que tenga un proceso tan técnico involucrado porque algo realmente podría funcionar en el audio, una broma realmente podría aterrizar. Y esta es la parte más desgarradora de este proceso ... y luego, cuando lo filmas, por alguna razón ya no funciona. O tal vez realmente funcionó cuando fue storyboard. Y luego no funciona necesariamente de la misma manera cuando lo llevas a la final correcta.